Hablar de la historia del cine implica, necesariamente, hablar de Steven Spielberg. Este cineasta cambió el mundo fílmico en muchos niveles distintos. No sólo fue el primer director con grandes éxitos taquilleros, sino que también logró establecer un canon para la realización. El lenguaje del cine hollywoodense que conocemos hoy se debe, en gran medida, a los precedentes establecidos por él: la mirada adoptada por su cámara y sus personajes, el uso de la música y la orquestación de elementos provenientes de distintos géneros fílmicos, hacen de sus historias un verdadero lugar de encuentro, experiencias cuyos ecos permanecen en la memoria. Las películas de Steven Spielberg (Cincinnati, 1946) han alcanzado y trastocado públicos globales, influyendo así tanto en la manera de realizar cine, como en la manera de verlo. Seleccionamos 10 momentos fundamentales en su prolífica trayectoria.

Tiburón (Jaws, 1975)

Tiburón fue el primer blockbuster de la historia al recaudar más de 100 millones de dólares. La trama es conocida: cuando un tiburón blanco empieza a matar vacacionistas, un policía, un biólogo y un cazador de tiburones se aventuran en el mar para detenerlo. Aunque la línea narrativa es bastante sencilla, esta cinta fue un parteaguas para el lenguaje y realización cinematográficos. Spielberg experimentó con distintos modos de mantener la tensión, como el uso del tiburón mecánico en función de la fotografía y de la mirada de los personajes. Sin quererlo, también consiguió crear una fábula sobre el mantenimiento del statu quo de la sociedad estadounidense, como demostró Fredric Jameson en el ensayo «Reificación y utopía en la cultura de masas», de 1979.

Encuentros cercanos del tercer tipo (Close Encounters of the Third Kind, 1977)

Después de haber revolucionado el mercado del cine con Tiburón, Spielberg realizó esta película de ciencia ficción acerca del contacto con la vida extraterrestre. Roy Neary (Richard Dreyfuss) ve una nave extraña volando y, a partir de esto, se obsesiona con encontrar una explicación. Es así como conoce a varios personajes que han sido testigos de cosas similares, entre ellos, un científico francés interpretado por François Truffaut, quien ha ideado una forma de comunicarse con los extraterrestres. Los efectos especiales nutren la anticipación frente a lo desconocido: mientras la expectación de los personajes incrementa, también lo hace la expectación del público.

Los cazadores del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981) e Indiana Jones y el templo de la perdición (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984)

Producido por George Lucas, este díptico le permitió a Steven Spielberg explorar un género distinto. La idea original, en la que trabajaron estos dos prodigios del cine hollywoodense, gira alrededor de la construcción de una figura heroica fuerte. Así es como surge Indiana Jones, un arqueólogo y profesor de los años treinta que es contratado por el gobierno de Estados Unidos para encontrar el Arca de la Alianza antes que los nazis y salvar el mundo. Los cazadores del arca perdida es la primera entrega de una serie de películas de acción y aventuras conformada por superproducciones visualmente impresionantes y narrativamente estremecedoras. Se trata de historias ágiles y juguetonas, en las que todo gira alrededor de la acción espectacular. Indiana Jones y el templo de la perdición nos muestra al héroe un año antes de los eventos de la primera entrega, dotando de todo un nuevo nivel de profundidad a la construcción del personaje. Vemos cómo lo que sucede aquí ha afectado la personalidad de Indiana Jones y comprendemos de dónde viene su carácter solitario. Umberto Eco notó que algunos elementos de estas dos películas están estructurados en espejo, lo que motiva en los espectadores una actitud activa que invita a establecer los vínculos y notar las diferencias entre una y otra.

E.T., el extraterrestre (E.T. The Extraterrestrial) 1982)

E.T. es tal vez la historia más íntima y emocional en la trayectoria de Spielberg. A través de la llegada de la criatura, la ciencia ficción irrumpe en la vida suburbana de una familia que está pasando por momentos difíciles. Contando con una gran actuación de Henry Thomas y el impresionante logro de dotar de emociones al extraterrestre mecánico, la relación entre estos personajes es uno de los vínculos más entrañables que han sido plasmados en la pantalla. Pero si tiene algo fundamental esta cinta es que plantea a un niño solitario como héroe y que le da forma a un monstruo que es, a la vez, un cómplice.

El Imperio del Sol (Empire of the Sun, 1987)

El Imperio del Sol se basa en la novela autobiográfica homónima de J.G. Ballard: es la historia de un niño inglés, proveniente de una familia adinerada que se encuentra viviendo en Shanghái justo durante los inicios de la Segunda Guerra Mundial. Cuando sucede la invasión japonesa, Jamie (Christian Bale) es separado de su familia y se ve obligado a enfrentar la cruda realidad de la guerra. La evolución del protagonista es un gran logro de dirección y actuación: mientras Jamie se va alejando de su niñez privilegiada, se vuelve cada vez menos ajeno al mundo y a su realidad de caos y destrucción. Este relato bélico tiene una variante importante: el hilo conductor es la mirada de un niño mimado, mirada que se transforma conforme los golpes de realidad se vuelven más violentos y que, a la vez, nunca deja ir completamente sus momentos de ensoñación y esperanza. Con El Imperio del Sol, Steven Spielberg explora dos de sus temas característicos: la guerra y la niñez.

Parque Jurásico (Jurassic Park,1993)

En Parque Jurásico, Steven Spielberg mezcla varios de sus grandes recursos: las criaturas indomables, los entornos y efectos especiales de la ciencia ficción y las espectaculares escenas de acción. La combinación de estos elementos mantiene al espectador continuamente alerta. Un millonario ha construido un parque de diversiones con clones de dinosaurios y contrata a un grupo de expertos para que conozcan y evalúen su proyecto. Como era de esperarse, todo sale mal y los dinosaurios escapan convirtiéndose en una amenaza avasalladora. Se trata de un relato que, desde la ciencia ficción, oscila entre el thriller y el terror, al convertir una obsesión infantil eterna, los dinosaurios, en monstruos.

La lista de Schindler (Schindler’s List, 1993)

Basado en hechos reales, ésta es la historia de Oskar Schindler (Liam Neeson), un empresario alemán que, durante la Segunda Guerra Mundial, aprovecha la oportunidad y funda una fábrica de artículos de cocina donde explota a los judíos. Cuando descubre que su negocio es lo único que puede evitar que sus empleados sean enviados a los campos de concentración, decide ayudarlos y de esta forma salva a mucha gente. En éste, su filme más sobrio, Spielberg retrata los horrores de la guerra y los alcances que puede tener la acción de un sólo hombre, reflejo en la Alemania nazi del voluntarismo estadounidense. Los rostros que vemos en La lista de Schindler se convierten en símbolos impactantes de estos eventos históricos: la crueldad, la compasión y el sufrimiento, adquieren una forma humana que los vuelve imposibles de ignorar.

Inteligencia artificial (A.I.—Artificial Intelligence, 2001)

Estamos en el futuro y es un futuro desesperanzador. David Swinton (Haley Joel Osment) es un niño que descubre que no es el hijo biológico de sus padres y que tampoco es humano. Cuando su hermano vuelve de la enfermedad, el androide intenta desesperadamente parecer tan humano como él. Fracasa y, en cambio, se convierte en una amenaza, así que sus padres deciden desecharlo. Comienza así una travesía por rastrear sus orígenes y, de alguna manera, encontrar el camino de regreso con ese ser al que está programado para amar, su madre. Esta reflexión sobre la identidad entre creador y creación es la película conceptual y poéticamente más compleja de Spielberg, debido a que fue proyecto ideado por Stanley Kubrick, quien trabajó en él durante casi tres décadas y convocó a Spielberg para dirigirla. Durante varios años, los dos cineastas dialogaron y fueron edificando gran parte de lo que terminamos viendo en pantalla. De esta manera, Spielberg se convirtió en una especie de sucesor avalado por Kubrick, papel que retoma ahora como productor ejecutivo de la serie basada en otro de sus proyectos inconclusos, Napoleón.

Sentencia previa (Minority Report, 2002)

Tom Cruise interpreta el papel de John Anderton, un detective del futuro que trabaja para una unidad policiaca que, gracias a las visiones de unos psíquicos, se anticipa a los asesinatos y arresta a los futuros criminales. Cuando el protagonista descubre que él mismo aparece como futuro asesino de un hombre desconocido, decide huir e investigar la identidad de su presunta víctima. Situado en escenarios desconcertantes, este filme combina elementos del cine negro con la ciencia ficción y un ritmo narrativo propio del thriller. Nuevamente, se trata de un experimento exitoso con las fronteras de los géneros y los recursos que este cineasta domina a la perfección. Pero, más allá del experimento formal, Sentencia previa plantea un problema idiosincrásico estadounidense: la obsesión por controlar lo incontrolable antes de que suceda, debido a que se trata de una sociedad que se siente amenazada perennemente. ¿Alguien dijo «guerra preventiva»?

Múnich (Munich, 2005)

En Múnich, Spielberg vuelve a adentrarse en las zonas más oscuras de la humanidad. En este caso, tomar un bando es complicado: Avner (Eric Bana) es el líder del escuadrón encargado de asesinar a los palestinos que presuntamente son responsables de la matanza de once miembros del equipo israelí durante los Juegos Olímpicos de 1972. Esta película gira alrededor de los vaivenes de la violencia y, sobre todo, de la venganza. Aunque Spielberg es judío y claramente simpatiza con su pueblo, el planteamiento de este filme permite ver la complejidad del conflicto sin volverse tendencioso: ninguno de los involucrados sale ileso o libre de culpa. El terrorismo también tiene rostros e historias personales. Nuevamente, se permite hablar de un conflicto mayor a partir de las historias individuales.