¿El futuro está en el presente? En Arqueologías del futuro, Fredric Jameson menciona que el cine de ciencia ficción no trata de películas que imaginan el futuro, sino de relatos que posibilitan un método estructural para aprehender el presente como historia, sin importar el optimismo o el pesimismo con el que se haga. Lo cierto es que el género ha servido para disertar sobre la conciencia humana y las complejidades de las relaciones personales, así como de los temores más emblemáticos de la humanidad: la soledad, la guerra, la destrucción. Seleccionamos los 50 mejores filmes de la historia considerando sus espectaculares imágenes pero también las reflexiones políticas y psicológicas que suscitan en el espectador. Esta lista está ordenada cronológicamente.

Puedes leer la primera parte de esta lista aquí.

25. Akira (Katsuhiro Ōtomo, 1988)

Akira es una película que ha trascendido cualquier frontera. Basada en el manga del mismo nombre, relata la vida de dos adolescentes –pertenecientes a una banda de motociclistas– que tienen la capacidad de liberar a un ente extraño llamado Akira. Los paisajes futuristas, los ambientes apocalípticos, así como la idea de que el gobierno interviene para desarrollar tecnología innovadora donde se producen seres extraordinarios con superpoderes, hicieron de esta cinta una de las más representativas de la historia del género. El filme está plagado de referencias a la cultura japonesa lo mismo que a la numerología y la superchería.

 

24. Sobreviven (They Live, John Carpenter, 1988)

Una fantasía que critica explícitamente los engañosos mecanismos de la publicidad y el capitalismo: un hombre encuentra unos lentes que le brindan la capacidad de descubrir la identidad alienígena de las personas, así como de los mensajes subliminales detrás de los objetos. Sobreviven se olvida de la ideología escondida detrás del cine y muestra con valentía y humor negro malestares de la sociedad como la corrupción y el engaño gubernamental. Poco atendida por la crítica y el público de finales de los ochenta, ha sabido encontrar su verdadero auditorio en los televidentes de la actualidad, que la han valorado como una cinta angustiante y contundente.

 

23. Combustión espontánea (Spontaneous Combustion, Tobe Hooper, 1990)

Tobe Hooper es un maestro del terror y la ciencia ficción. Y uno de sus filmes más emblemáticos es Combustión espontánea, que cuenta la historia de un joven con inesperados poderes para quemar cualquier objeto, acontecimiento derivado de los diversos experimentos a los que fueron sometidos sus padres por parte del gobierno antes de que él naciera. La cinta utiliza todo tipo de referencias a películas de serie B, que en aquel entonces eran muy populares. Una secreta pieza maestra que ha pasado desapercibida en la filmografía de Hooper, mejor conocido por La masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974)

 

22. El vengador del futuro (Total Recall, Paul Verhoeven, 1990)

Douglas Quaid (Arnold Schwarzenegger) intenta hacer una revolución. Pero lo descubren y le implantan una memoria para transformar su identidad. Este relato sobre un futuro distópico explora las posibilidades de un capitalismo avasallador luego de que el hombre conquista Marte. Como sucede en otros de sus filmes, Paul Verhoeven vislumbra un paisaje inquietante donde no sólo importa el destino de la humanidad sino también las posibilidades tecnológicas para alterar los recuerdos de los individuos. Algunas de las escenas más emblemáticas fueron grabadas en la Glorieta de Insurgentes y el Metro de la Ciudad de México.

 

21. Ghost in the Shell (Kōkaku kidōtai, Mamoru Oshii, 1995)

La estructura narrativa de esta película de animación tiene como referencia lo mismo imágenes de Blade Runner (Ridley Scott, 1982) que del ciberpunk y el manga homónimo dado a conocer seis años antes por Masamune Shirow. La sección policial del siglo XXI se dedica a investigar crímenes tecnológicos haciendo uso de una maquinaria sofisticada compuesta por cyborgs. Este espectacular relato fusiona imágenes oscuras y apocalípticas con sensaciones paradójicamente hermosas. Acompañada de una banda sonora formidable, entre sus propósitos se encuentra deconstruir la conciencia humana para distinguir los deseos del hombre de los de las máquinas.

 

20. ¡Marcianos al ataque! (Mars Attacks!, Tim Burton, 1996)

En una época plagada de películas de ciencia ficción que ostentaban efectos especiales novedosos, ¡Marcianos al ataque! se opone formalmente a ellos. Es justo por dicha resistencia a la fórmula que la cinta destaca entre otros ejemplos de su época: una muestra más del papel de Burton como agente extraño en la industria cinematográfica. Esta historia, que mezcla ciencia ficción con comedia, se sostiene por un elenco con nombres como Jack Nicholson, Glenn Close, Natalie Portman y Jack Black, quienes interactúan con excéntricos personajes animados. Pero centralmente se trata de una crítica mordaz a las películas de invasiones alienígenas que parte de un principio sencillo: los extraterrestres no tienen por qué comportarse como humanos ni por qué saber inglés.

 

19. Abre los ojos (Alejandro Amenábar, 1997)

¿Y si existiera una máquina que congelara a los humanos para que éstos pudieran despertar en un futuro cuando la ciencia les permita solucionar diversas enfermedades? Bajo este hilo narrativo, Alejandro Amenábar produjo uno de los filmes más enigmáticos del género que ahonda en la conciencia y los miedos del hombre. Los protagonistas de este largometraje: una ciudad vacía, una mujer hermosa que se convierte en un fantasma, un hombre cuyo rostro no puede recordar. Un golpe de autoridad en la filmografía de uno de los directores españoles más trascendentes de los tiempos recientes.

 

18. eXistenZ (David Cronenberg, 1999)

La de los noventa fue la década de los videojuegos: una realidad virtual a la que cualquiera tenía acceso a través de una consola. Pero, ¿qué sucedería si esta realidad alternativa fuera a tal grado sofisticada que los humanos no pudiéramos diferenciarla del mundo real? Responsable de muchas de las imágenes más grotescas e inquietantes de los tiempos actuales, el director canadiense confecciona en eXistenZ un relato cautivador que deambula los laberintos de la memoria. Uno de los precedentes más significativos de donde se ha nutrido la serie de televisión Black Mirror (Charlie Brooker, 2011 a la fecha), una obra maestra contemporánea.

 

17. Matrix (The Matrix, Andy  y Larry Wachowski, 1999)

El mundo como lo conocemos ha sido destruido: las máquinas nos han esclavizado y desde nuestro nacimiento nos conectan a un espacio virtual que confundimos con la realidad. ¿Qué hacer para salir de la matrix y con qué propósito? Los hermanos Wachowski alcanzaron uno de los puntos más altos del cine de acción contemporáneo al mezclar conceptos de la filosofía con aquellos provenientes de la tecnología y la ciencia. El resultado es un alucinante filme futurista –con efectos especiales que no se habían visto hasta entonces, como aquel en el que una cámara captura en 360 grados un instante congelado– donde la realidad está por ser inventada.

 

16. Donnie Darko (Richard Kelly, 2001)

La ciencia ficción no se limita a los viajes espaciales. Los mundos de los sueños y las alucinaciones también son fundamentales en este género. Donnie Darko es un joven tímido capaz de vislumbrar el futuro, pero no es consciente de ello. En cambio vive dentro de un lugar flexible donde el pasado se fusiona con el futuro. Desde su aparición, la película de Richard Kelly se convirtió en referente de una generación desolada identificada con el grunge, la decadencia y el sinsentido de la existencia. Olvidada por la crítica, ocupa un lugar de privilegio como una película de culto donde los sueños son el presagio del porvenir.

 

15. Mutant Aliens (Bill Plympton, 2001)

El siglo XXI es la época dorada de la animación. Lo mismo películas que series o programas de televisión han sabido aprovechar las posibilidades estéticas de este recurso para proyectar imágenes oníricas y fantasiosas que no podrían existir en el cine tradicional. Mutant Aliens cuenta la historia de un grupo de aliens que visita la tierra acompañado de un humano extraviado por 20 años en el espacio exterior. La afilada mirada de Plympton trasciende por su humor ácido que además expone sofisticadas herramientas animadas, poco antes vistas en la pantalla.

 

14. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Charlie Kaufman y Michel Gondry, 2004)

Algunas de las pocas razones por las que una persona quisiera perder parte de su memoria son la desaparición de un ser querido, o una decepción amorosa. Tomando como base este argumento, Charlie Kaufman (guionista) y Michel Gondry (director) confeccionaron un relato que describe el proceso en que una pareja de enamorados decide borrar sus recuerdos juntos luego de haber terminado. Las sorprendentes imágenes, que bien pudieron haber salido de un filme de Georges Méliès, provocan que el espectador viva dentro de las mentes de los personajes, compartiendo su dolor. Si el amor es un sentimiento inevitable, ¿podemos sentirlo con una misma persona en épocas diferentes?

 

13. Primer (Shane Carruth, 2004)

Shane Carruth es un director estructura narrativas cinematográficas sistematizada bajo lineamientos matemáticos. Primer cuenta la historia de dos amigos científicos que inventan una máquina para alterar la gravedad. Además de lograrlo, entran en un bucle extraño incesante que modifica la percepción del tiempo. ¿Cuál es el valor cinematográfico de este filme? Forma y fondo son lo mismo. La cinta replica los fallos de la máquina, al tiempo que utiliza escenarios y colores que se acompasan con los sentimientos de incertidumbre de los protagonistas.

 

12. El gran truco (The Prestige, Christopher Nolan, 2006)

En los umbrales del siglo XX un dúo de magos emprenden una batalla entre sí mismos luego de que uno de ellos (Christian Bale) provoca por accidente la muerte de la novia del otro (Hugh Jackman). En esta verdadera obra maestra de Christopher Nolan el espectador observa la película como si ésta se tratara de un truco de magia. «¿Estás mirando con atención?», pregunta una misteriosa voz en off de Michael Caine hacia un auditorio cautivo que acaso ve en la prestidigitación uno de los enigmas del lenguaje cinematográfico. David Bowie encarna a Nikola Tesla, un científico incomprendido capaz de crear una máquina que duplica humanos. Un relato repleto de Doppelgängers tan cautivadores como siniestros.

 

11. Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone (Ebangerion shin gekijōban: Jo, Hideaki Anno, 2007)

Esta serie de televisión japonesa se convirtió inmediatamente en una pieza de culto cuando apareció a mediados de la década de los noventa. Doce años después fue llevada al cine por su propio creador, que sintetiza sus primeros seis capítulos en un relato de casi dos horas donde se fusiona lo mejor de la ciencia ficción: escenarios deslumbrantes y reflexiones filosóficas trascendentales. Una obra repleta de referencias religiosas, así como de elementos culturales de Oriente y Occidente.

 

10. Luna : 1095 días (Moon, Duncan Jones, 2009)

Un astronauta pasa cerca de tres años en una estación espacial en la Luna. La soledad provoca que sus alucinaciones sean cada vez más frecuentes, al grado que no distingue entre la fantasía y la realidad. Luna alude a 2001: Odisea del espacio (la nave tiene una voz perturbadora a cargo de Kevin Spacey) y al cosmos sonoro de David Bowie, padre de Duncan Jones. El protagonista de la cinta no es el personaje interpretado por Sam Bell sino la multiplicidad de figuras, una serie de Doppelgängers siniestros que trastocan la cordura del espectador.

 

9. Los vigilantes (Watchmen, Zack Snyder, 2009)

Basada en el cómic homónimo de Alan Moore, Watchmen describe con solvencia un escenario apocalíptico donde la Guerra Fría se ha prolongado y el único evento que puede salvar a la humanidad es una catástrofe controlada. Lejos de sus intereses políticos, el relato también aborda temas trascendentales desde perspectivas filosóficas, como el amor, la fidelidad, el tiempo o la juventud eterna. ¿Quién vigila a los vigilantes? En este filme contundente los superhéroes son algo más que enmascarados que salvan gente: son víctimas de una sociedad en descomposición que no quiere sobrevivir. Uno de los grandes momentos de la película sucede cuando una serie de imágenes sintéticas dialogan con “The Times They Are A-Changin’”, de Bob Dylan, para mostrar un futuro alternativo donde la Unión Soviética no desaparece.

 

8. El origen (Inception, Christopher Nolan, 2010)

Los escenarios arquitectónicos de El origen son igual de emblemáticos que la idea principal de esta cinta protagonizada por Leonardo DiCaprio y Marion Cotillard: un hombre que busca perdón gubernamental para caminar por libertad en Estados Unidos husmea en la mente de un empresario para implantarle una idea que cambiará su mundo. El personaje principal debe luchar con los demonios de su conciencia que incluyen el suicidio de su esposa y el miedo a perder a sus hijos. El origen proyecta una pregunta inquietante: ¿qué sucedería si fuéramos capaces de vivir en lo más profundo de nuestra conciencia, donde nuestros anhelos más esperanzadores se convirtieran en nuestras pesadillas más oscuras?

 

7. 4:44 Last Day on Earth (Abel Ferrara, 2011)

El mundo está a punto de extinguirse. Estamos en Nueva York en la época actual. El relato no se concentra en las explicaciones científicas de la desaparición de la Tierra. En su lugar, prefiere retratar el último día de un actor de teatro (Willem Dafoe) y su compañera, una joven artista entregada a la pintura (Shanyn Leigh). 4:44 se detiene en una pregunta: ¿qué haríamos si supiéramos que el día que vivimos es el último de la existencia? La ciencia ficción es sólo un punto de partida para reflexionar sobre el presente y la vida.

 

6. El caballo de Turín (A torinói ló, Béla Tarr, 2011)

El punto final de uno de los cineastas más representativos de las últimas tres décadas es una delicada pieza que cuenta siete días de la vida de un hombre y su hija. ¿El fin del mundo? Sí, y mucho más: a través de una fotografía en blanco y negro (Fred Kelemen), un guión confeccionado brillantemente (Tarr y László Krasznahorkai) y la música de Mihály Víg, El caballo de Turín utiliza un ritmo de montaje parco con largos planos secuencias. La historia está inspirada en una anécdota real: poco antes de morir, Friedrich Nietzsche se cruza con un caballo violentado al que reconforta al compás de sus sollozos. Una película que trasciende los límites del género para concentrarse en las inquietudes humanas.

 

5. Melancolía (Melancholia, Lars von Trier, 2011)

Un planeta llamado Melancolía va a chocar con la Tierra. El fin es inevitable. ¿Qué hacer? Resignada, la joven Justine (Kirsten Dunst) encara el desenlace oponiéndose al resto de su familia, que intenta refugiarse en la religión y la ciencia para negar su destino. Lars von Trier expone una situación terrible e inquietante a través de encuadres armónicos y un ritmo de montaje sobrio. La belleza de las imágenes configuran una poética poco visitada por este cineasta tan polémico como genial. La secuencia final es una de las más representativas del cine del siglo XXI.

 

4. El congreso (The Congress, Ari Folman, 2013)

Una actriz (Robin Wright) firma un contrato donde concede su imagen para ser utilizada en películas de animación. Sin embargo, tiene un conflicto de identidad y entabla una discusión con el Congreso de Futurología, que se apropia de su imagen para siempre. Basada en la novela de Stanisław Lem, esta película explora temas recurrentes en el cine de Ari Folman: la posibilidad de representación de sueños y fantasías a través de la animación, un ámbito que, probablemente, está marcando el futuro del cine.  

 

3. Ella (Her, Spike Jonze, 2013)

Un hombre (encarnado por Joaquin Phoenix) se enamora de la voz de su celular (a cargo de Scarlett Johansson), que tiene la capacidad de describir todo tipo de sensaciones no sólo a través de la palabras, sino también de tonos y gemidos. Sí: Siri evolucionó hasta convertirse en un ser capaz de pensar y sentir. Spike Jonze inspecciona los sentimientos humanos siguiendo la máxima de Stanley Kubrick: si las máquinas son capaces de emitir sentimientos y pensamientos propios, ¿qué las distingue de los hombres? Los escenarios futuristas muestran una ciudad hipertecnologizada donde los hombres se comunican cada vez menos entre ellos. Decidieron finalmente que la computadora es su mejor compañero.

 

2. Qué difícil es ser un dios (Trudno byt’ bógom, Alekséi German, 2013)

Basada en la novela homónima de los hermanos Borís y Arkadi Strugatski, esta cinta muestra las calamidades que ocurren en un planeta atrapado en la Edad Media. Un grupo de historiadores observa el desarrollo de un periodo histórico extraterrestre plagado de podredumbre y barbarie. Filmada en blanco y negro, Qué difícil es ser un dios construye un entorno abrumador donde los personajes son repugnantes, sucios y desalmados, pero con una ferviente devoción hacia la divinidad. El pasado tanto como el futuro son desoladores. ¿Y el presente? El cineasta ruso tardó 14 años en el proceso de filmación y falleció antes de visualizar su obra concluida.

 

1.  El expreso del miedo (Snowpiercer, Bong Joon-ho, 2013)

El director coreano Bong Joon-ho utiliza un tren como metáfora del capitalismo (una máquina funcional, moderna, que sin embargo recuerda las imágenes del Holocausto donde los prisioneros judíos eran obligados a viajar en condiciones inmundas), operada por una persona, Wilford (Ed Harris), como representación del 1 vs 99 y, por lo tanto, de Occupy Wall Street. La historia es sencilla: intentando contrarrestar el calentamiento global, las naciones se unen para esparcir una sustancia refrigerante. Pero la tierra se congela a tal grado que es inhabitable. Wilford construye una máquina diseñada para autoabastecerse y acoger a los últimos sobrevivientes. Y desde el vagón principal decide el futuro de los pasajeros, divididos entre privilegiados y moribundos. Curtis, un revolucionario interpretado magníficamente por Chris Evans, encabeza un ataque para cambiar la situación. Esta película centra su atención en el momento en que luego de un largo viaje que resume el sinsentido de la humanidad una persona debe elegir entre mantener una vida jerárquica o pensar en un orden diferente de las cosas. En la respuesta parece que el aniquilamiento es la única forma de comenzar una nueva era.

Puedes leer la primera parte de esta lista aquí.